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Cronología de Kithara

Cronología de Kithara



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Cithara

los cithara o Kithara (Griego: κιθάρα, romanizado: kithāra, Latín: cithara) fue un antiguo instrumento musical griego de la familia de los laúdes de yugo. En griego moderno, la palabra Kithara ha llegado a significar "guitarra", una palabra que etimológicamente proviene de Kithara. [1]

El kithara era una versión profesional de siete cuerdas de la lira, que se consideraba un instrumento rústico o popular, apropiado para enseñar música a principiantes. A diferencia de la lira más simple, el kithara fue utilizado principalmente por músicos profesionales, llamados kitharodes. Los orígenes del kithara son probablemente de Anatolia. [2] (p185) [3] popular en el este del Egeo y en la antigua Anatolia.


Historia temprana de la guitarra

Aparecen imágenes de instrumentos de cuerda en tallas de más de 3.000 años de antigüedad, que datan de los imperios mesopotámico y babilónico. Nuestra palabra moderna & # 8216guitar & # 8217 probablemente proviene de la antigua palabra griega κιθάρα (kithara), y sin duda, los instrumentos de cuerda existían antes de la historia registrada. La mayoría de los estudiosos están de acuerdo en que los dos instrumentos que desempeñaron el papel más importante en la historia de la guitarra fueron el laúd europeo y un instrumento árabe llamado oud.


Contenido

El término "barroco" es utilizado generalmente por los historiadores de la música para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos durante un período de aproximadamente 150 años. [1] Aunque durante mucho tiempo se pensó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña satírica y anónima del estreno en octubre de 1733 de la obra de Rameau. Hippolyte et Aricie, impreso en el Mercure de France en mayo de 1734. El crítico insinuó que la novedad de esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de melodía coherente, estaba llena de incesantes disonancias, cambiaba constantemente de tono y compás y pasaba rápidamente por todos los dispositivos compositivos. [3]

Jean-Jacques Rousseau, que fue músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en el Enciclopedia: "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos . " [4] Rousseau se refería al término filosófico baroco, en uso desde el siglo XIII para describir un tipo de argumento académico elaborado y, para algunos, innecesariamente complicado. [5] [6]

La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término "barroco" a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs se convirtió en el primero en aplicar sistemáticamente a la música las cinco características de la teoría del barroco de Heinrich Wölfflin. [7] Sin embargo, los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX, Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en Estados Unidos) y Suzanne hicieron intentos independientes. Clercx-Lejeune (en Bélgica) para utilizar el análisis técnico autónomo en lugar de abstracciones comparativas, para evitar la adaptación de las teorías basadas en las artes plásticas y la literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron como resultado un desacuerdo apreciable sobre los límites de tiempo del período, especialmente en lo que respecta a cuándo comenzó. En inglés, el término adquirió vigencia solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang. [1]

Todavía en 1960, todavía había una disputa considerable en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, sobre si era significativo agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una sola rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. [1] Puede resultar útil distinguir el barroco de los períodos anteriores (Renacimiento) y siguientes (Clásica) de la historia musical.

A lo largo de la era barroca, los nuevos desarrollos en la música se originaron en Italia, después de lo cual pasaron hasta 20 años antes de que fueran ampliamente adoptados en el resto de la práctica de la música clásica occidental. Por ejemplo, los compositores italianos cambiaron al estilo galant alrededor de 1730, mientras que compositores alemanes como Johann Sebastian Bach continuaron escribiendo en gran parte en estilo barroco hasta 1750. [8] [9]

Música barroca temprana (1580-1650) Editar

La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de 'Bardi para discutir y orientar las tendencias de las artes, especialmente la música y el teatro. En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente griego antiguo) que valoraba el discurso y la oración. [10] En consecuencia, rechazaron el uso de la polifonía (múltiples líneas melódicas independientes) y la música instrumental por parte de sus contemporáneos, y discutieron los dispositivos de la música griega antigua como la monodía, que consistía en un canto en solitario acompañado de un kithara (un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). ). [11] Las primeras realizaciones de estas ideas, incluidas las de Jacopo Peri Dafne y L'Euridice, marcó el comienzo de la ópera, [12] que fue un catalizador para la música barroca. [13]

En lo que respecta a la teoría musical, el uso más generalizado de bajo calculado (también conocido como bajo cifrado) representa la creciente importancia de la armonía como base lineal de la polifonía. [14] La armonía es el resultado final del contrapunto, y el bajo figurado es una representación visual de esas armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Con el bajo cifrado, los números, las alteraciones o los símbolos se colocaban encima de la línea de bajo que leían los intérpretes de instrumentos de teclado, como los que tocaban el clavicordio o los organistas de tubos (o laudistas). Los números, alteraciones o símbolos indicaron al tecladista qué intervalos se van a tocar por encima de cada nota de bajo. El teclista improvisaba una voz de acorde para cada nota de bajo. [15] Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas, [16] y también emplearon el tritono, percibido como un intervalo inestable, [17] para crear disonancia (se usó en el acorde de séptima dominante y en el acorde disminuido). También había existido un interés por la armonía entre ciertos compositores del Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo [18] Sin embargo, el uso de la armonía dirigido hacia la tonalidad (un enfoque en una clave musical que se convierte en la "nota casera" de una pieza), en lugar de modalidad, marca el paso del Renacimiento al Barroco. [19] Esto llevó a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podrían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza, una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad. [ cita necesaria ]

Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo de música renacentista al del período barroco. Desarrolló dos estilos de composición individuales: la herencia de la polifonía renacentista (prima pratica) y la nueva técnica de bajo continuo del barroco (seconda pratica). Con bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía. El grupo de bajo continuo normalmente usaba uno o más teclistas y un laudista que tocaba la línea de bajo e improvisaba los acordes y varios instrumentos de bajo (p. Ej., Violín bajo, violonchelo, contrabajo) que tocarían la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea entre otros, Monteverdi atrajo considerable atención a este nuevo género. [20] Este estilo veneciano fue llevado fácilmente a Alemania por Heinrich Schütz, cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.

Las texturas instrumentales idiomáticas se hicieron cada vez más prominentes. En particular, el estilo luthé—La ruptura irregular e impredecible de las progresiones de acordes, en contraste con el patrón regular de los acordes rotos — referido desde principios del siglo XX como estilo brisé, fue establecido como una textura consistente en la música francesa por Robert Ballard, [21] [22] en sus libros de laúd de 1611 y 1614, y por Ennemond Gaultier. [23] Esta figuración idiomática de laúd se transfirió más tarde al clavicémbalo, por ejemplo en la música para teclado de Louis Couperin y Jean-Henri D'Anglebert, y continuó siendo una influencia importante en la música para teclado a lo largo del siglo XVIII y principios del XIX (en , por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin). [22]

Música barroca media (1630-1700) Editar

El surgimiento de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia. El estilo del palacio y el sistema de cortesía de costumbres y artes que fomentó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente patrocinio de la iglesia y el estado crearon la demanda de música pública organizada, ya que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara, que es música para un pequeño conjunto de instrumentistas. [24]

Un ejemplo preeminente de un compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully. Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés y para evitar que otros hicieran representaciones de óperas. Completó 15 tragedias líricas y las dejó inconclusas. Achille et Polyxène. [25] Lully fue uno de los primeros ejemplos de un director al que batía el tiempo con un gran personal para mantener unidos a sus conjuntos.

Musicalmente, no estableció la norma dominada por las cuerdas para las orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la disposición de cinco partes característicamente francesa (violines, violas - en hautes-contratre, tamaños de cola y quintales - y violines bajos) había Se ha utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, sí introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por flautas dulces, flautas y oboes, y el bajo por fagot. Con frecuencia se añadían trompetas y timbales para escenas heroicas. [25]

El período barroco medio en Italia se define por el surgimiento de los estilos vocales de cantata, oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estado de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente se había considerado preeminente. La monodia florida y coloratura del Barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas breves, delimitadas cadencialmente, a menudo basadas en patrones de danza estilizados extraídos de la sarabanda o la courante. Las armonías también pueden ser más simples que en la monodia barroca temprana, para mostrar expresión de una manera más ligera en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas. Las líneas de bajo acompañantes se integraron más con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que más tarde llevó al dispositivo de una anticipación de bajo inicial de la melodía del aria. Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo dispositivo formal de diferenciación del recitativo (una parte más hablada de la ópera) y el aria (una parte de la ópera que utiliza melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi, quienes fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano Francesco Cavalli, quien fue principalmente compositor de ópera. Los practicantes importantes posteriores de este estilo incluyen Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella. [26]

Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical —como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín— y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso. [27] Mientras que Lully estaba instalada en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y en interpretar su música en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el concerto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Las secciones rápidas y las secciones lentas se yuxtaponen entre sí. Entre sus alumnos se encuentra Antonio Vivaldi, que luego compuso cientos de obras basadas en los principios del trío de sonatas y conciertos de Corelli. [27]

A diferencia de estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte, sino un músico de iglesia, que ocupaba los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus deberes como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y gerente comercial de la iglesia, mientras que su posición como organista incluía tocar para todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Completamente fuera de sus deberes oficiales en la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken, que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de óperas. [28]


Tatoi

A sólo un tiro de piedra del centro de Atenas (aproximadamente a 30 minutos en coche) encontrará lo que sólo puede describirse como un paraíso en la tierra. El Tatoi Royal Estate fue una vez el refugio de verano del rey Jorge y la reina Olga, antes de convertirse en la residencia permanente de la familia real y los rsquos en 1948. Bosques densos cubiertos de pinos carrascos, altos cipreses, álamos, plátanos, hayas, madroños griegos , olivos y cítricos entre otros adornan la finca de Tatoi, que actualmente está protegida por la red Natura 2000 como un espacio de gran belleza natural.

De las 4.200 hectáreas de bosque que alguna vez pertenecieron a la antigua familia real de Grecia, el Estado griego (Bosque Nacional de Bafi) concedió 1.400 hectáreas al rey griego en el año 1877. El resto fue adquirido gradualmente por la familia real en virtud de diversos contratos. (incluida una compra de Syngros en 1891). En la actualidad, Tatoi pertenece al Estado griego y alberga 40 edificios históricos repartidos entre la finca y los bosques de rsquos y exuberantes campos.

En años pasados, Tatoi era una de las áreas más mágicas de Grecia. Sus densos bosques fueron el hogar de ciervos, corzos, jabalíes y otros animales más pequeños. La finca también albergaba viñedos que producían vinos selectos, huertas en las que crecía la familia real y hortalizas rsquos, grandes extensiones de árboles cítricos y extensos olivares. Las estructuras de la finca y rsquos incluían establos para los caballos y otros animales, una bodega, un molino de aceite y una sala de mantequilla, solo por nombrar algunos. El edificio del palacio era un elegante edificio de dos pisos con encantadoras terrazas y un techo de tejas que alguna vez estuvo adornado con una ornamentada cornisa. Actualmente está catalogado como Monumento Moderno con planes de convertirlo en museo en los próximos años. Los escalones en la parte delantera conducen a la propiedad y la piscina de rsquos, con la cancha de tenis un poco más allá.

A la derecha se encuentra un edificio bajo de piedra que una vez albergó la cocina y que estaba conectado con el palacio por un pasillo subterráneo (aquí se creará una tienda de recuerdos y una pequeña cafetería para los visitantes). La finca verde esconde muchos más edificios, como la casa de gobierno y el Hotel Tatoion (que pronto se convertirá en un pequeño y elegante hotel boutique). En el otro extremo de la finca, entre altos pinos y esbeltos cipreses, se encuentran las tumbas de los miembros de la familia real y la capilla de la Resurrección.
Estos edificios, una vez abandonados, han sido tocados por la implacable mano del tiempo. Sin embargo, últimamente parece que sopla un viento positivo y hay esperanzas de que un programa de la UE ayude a su restauración y desarrollo, estimado en & euro110.000.000.

Aquellos que deseen visitar la antigua propiedad real de Tatoi deben saber que está abierta desde el amanecer hasta el atardecer. Hay dos entradas a la finca, una desde Varybombi (justo detrás del restaurante Leonidas) y otra desde Lefka. Hay una gran distancia desde la entrada de Varybombi al centro histórico de la finca, por lo que la mayoría de los visitantes prefieren ingresar desde Lefka para facilitar el acceso. Tatoi es ideal para practicar senderismo, ciclismo de montaña, trotar y hacer picnics en el campo. Los visitantes pueden recorrer los edificios y el cementerio real, o hacer un viaje al lago artificial de Kithara, donde podrán disfrutar de una vista increíble de toda la cuenca del Ática.

Para aprovechar al máximo su visita, profundice en la historia de la propiedad y la familia real que vivió allí, comunicándose con la Asociación de Amigos de Tatoi. La Asociación fue fundada en 2012 y dedica parte de sus ingresos a la realización de estudios detallados sobre los edificios de la propiedad y rsquos con el fin de asegurar los fondos necesarios para su restauración. Los recorridos también están disponibles a través de la Asociación. Los representantes pueden recogerlo en autobús en la plaza Syntagma a las 10.00 a.m. y brindarle un recorrido completo por las partes más importantes de la finca, organizar su almuerzo en uno de los restaurantes griegos tradicionales de la zona y proporcionar transporte de regreso a Atenas a las 6.00 p.m. , de regreso a la ciudad con la cabeza llena de las hermosas imágenes y los conocimientos excepcionales adquiridos en esta excursión.

Si está interesado en un recorrido, puede comunicarse con la Asociación de Amigos de Tatoi por teléfono al (+30) 69759 47248 (Sr. V. Koutsavlis) o por correo electrónico a [email protected]

La Asociación también ofrece visitas guiadas privadas a miembros de misiones diplomáticas en Grecia y dignatarios extranjeros que visitan Atenas a pedido.


Ultimas palabras

Siempre es asombroso ver la historia histórica que cambia la invención de nuestro instrumento favorito. Me sorprendió bastante saber que las guitarras ya se usaban incluso en la era egipcia del 1500 a. C. La guitarra sigue siendo uno de los instrumentos más populares hasta la fecha gracias a la influencia de inventores históricos como Antonio Torres Jurado.

Este artículo es solo una breve historia histórica de la guitarra. La historia completa es inmensa y se necesitará un libro completo para contarla completa. Pero este breve artículo proporciona un aprendizaje interesante que sucedió hace siglos y que dio forma al hermoso instrumento que adoramos y tocamos todos los días.


El único rasgo que todos los Kihara tienen en común es una aptitud natural en la ciencia, así como la gravitación de sus acciones hacia los más malvados para la mayoría de los estándares humanos, esto es ejemplificado por Kihara Enshuu, quien, sin que se le enseñe nada, fue capaz de escapar del encarcelamiento y matar a su captor de una manera horrible. & # 912 & # 93

Los Kihara ignoran por completo toda la moral y la ética de la ciencia y la humanidad por el bien de experimentar. Debido al hecho de que todos los miembros de la familia son sumamente inteligentes y no tienen sentido de la moralidad, los resultados de sus experimentos han tenido un éxito tremendo a costa de traumatizar o matar a muchas personas. Este descarado desprecio por la vida humana se extiende a sus propios parientes, como con Therestina Kihara Lifeline & # 913 & # 93 y Kihara Nayuta fueron experimentados. Además de Kihara Byouri intentando matar a Enshuu, solo por darle la espalda, así como Enshuu intentando matar a Byouri a su vez sin problemas en su conciencia. & # 914 & # 93

Si Ciudad Academia, el bastión de la ciencia, fuera destruida, Kiharas simplemente se esparciría por todo el mundo. Viven en Ciudad Academia porque es la capital de la ciencia y nada más los limita a ella. & # 911 & # 93

Genealogía [editar | editar fuente]

En un principio eran siete personas normales, que luego cayeron en la locura y la villanía, conociendo muy bien sus acciones pero sin poder detenerse, ya que el concepto de "Kihara" comienza a cristalizar, una familia dedicada a la búsqueda de la ciencia sea cual sea la causa. , usándose ellos mismos para definirlo. Está implícito en la narración que Aleister Crowley participó en la creación del concepto de "Kihara". El concepto de "Kihara" es aparentemente un fenómeno reciente, ya que no han pasado cien años desde que el concepto ha tomado una forma clara. & # 915 & # 93

Actualmente hay una única línea de sangre de más de 5000 que posee el apellido "Kihara". & # 916 & # 93 Siempre que una persona desee hacer un mal uso de un área de la ciencia sin preocuparse por las consecuencias, Kihara es quien debe hacerlo. Incluso si actualmente están vinculados por una sola línea de sangre, no es una necesidad, ya que otros pueden tomar el nombre si se eliminara, lo que significa que uno no necesita estar relacionado con la sangre para convertirse en Kihara, & # 911 & # 93 & # 160como lo demuestra la existencia de Kihara Noukan & # 160Kihara Byouri también menciona cómo mientras la humanidad continúe dependiendo de los beneficios de la ciencia, la familia existirá y que se necesitaría la destrucción completa de todos culturas del mundo para que sean derrotados. & # 914 & # 93

Kihara Kagun también menciona que hay algún tipo de calificación necesaria para ser uno, ya que cuando conoce a Enshuu le dice "Escuché que aún no habías calificado como Kihara." Ε]

  • Los siete Kiharas originales. , líder del Hound Dog y ex entrenador de Accelerator. , creador del Ability Body Crystal. , líder del MAR. , experto en productos químicos que induce ilusiones utilizando determinadas esporas. , no-Esper con capacidad de transformación. , no-Esper que tiene los patrones de pensamiento de diferentes personas programados en su cerebro. , un "negociador" de la familia Kihara. , un golden retriever con circuitos aritméticos conectados externamente. & # 914 & # 93, un desarrollador cyborg altamente calificado, una vez involucrado con el Proyecto Dark May y el DA. , un desarrollador de Android altamente calificado y en una red informática.
  • Kihara Konshou (木 原 混 晶, Kihara Konshou? ), conocida como onee-chan ("hermana") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Sokuryou (木 原 測量, Kihara Sokuryou? ), referido como Sokuryou-kun ("hombre") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Kaihou (木 原 解法, Kihara Kaihou? ), conocida como oba-san ("tía") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Jouryuu (木 原 蒸 留, Kihara Jouryuu? ), denominado onii-chan ("hermano") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Chokuryuu (木 原 直流, Kihara Chokuryuu? ), denominado Chokuryuu-kun ("hombre") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Doutai (木 原 導体, Kihara Doutai? ), conocido como oji-san ("tío") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Bunri (木 原 分離, Kihara Bunri? ), denominado onii-chan ("hermano") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Sousai (木 原 相 殺, Kihara Sousai? ), conocida como Sousai-chan ("mujer") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Kenbi (木 原 顕 微, Kihara Kenbi? ), conocida como oba-san ("tía") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Bunshi (木 原 分子, Kihara Bunshi? ), denominado onii-chan ("hermano") por Kihara Enshuu.
  • Kihara Kouten (木 原 公 転, Kihara Kouten? ), conocida como onee-chan ("hermana") por Kihara Enshuu.

Solo ha habido dos miembros que muestran preocupación por los demás o se arrepienten de haber cometido tales acciones.

Antagonistas [editar | editar fuente]

Personajes que, según Kihara Kagun, son considerados como antagónicos a su familia y obstaculizan sus propósitos y / o se oponen a sus principios. & # 917 & # 93

    - conocido como el mejor en las batallas anti-Kihara. - conocido como el segundo después de Accelerator en ser el mejor contra los Kiharas. - se refiere a sí mismo como un especialista anti-Kihara. - llamado Kihara Killer por haber logrado matar a un Kihara (Kihara Heikin) - llamado "un nuevo Kihara Killer"

Un retorno al respeto por las propiedades curativas de la entrada vibro-táctil

Olav Skille y Tony Wigram han impulsado nuestra comprensión actual de la Terapia Vibroacústica como una técnica de curación basada en la investigación. Skille comenzó su trabajo e investigación en 1968 desarrollando equipos y software de música para brindar información vibro-táctil a los jóvenes con síndrome de Rett en Escandinavia. Descubrió que la terapia vibroacústica es beneficiosa para afecciones como el asma, el autismo, la fibrosis quística, la parálisis cerebral, el insomnio, el dolor y la enfermedad de Parkinson. Describió las tres áreas principales de efecto de la terapia vibroacústica como:

  1. Efecto espasmolítico y relajante muscular
  2. Aumento del flujo sanguíneo a las extremidades.
  3. Efectos marcados pero variables en el estado vegetativo

En Inglaterra, Wigram comenzó su propia investigación en la década de 1990, utilizando algunas de las técnicas de Skille para ayudar a los adultos con discapacidades cognitivas y problemas de comportamiento. Usó las técnicas con individuos con conductas auto-abusivas y ansiedad. La pasión y la investigación dedicada de estos dos hombres ha sido invaluable para nuestra comprensión del sonido y la vibración como una modalidad de curación.

En 1997, Butler estudió a pacientes sometidos a cirugía a corazón abierto y descubrió que el uso de estimulación vibro-táctil posoperatoriamente reducía la necesidad y la dependencia de un ventilador y disminuía la duración total de la estancia hospitalaria de 9 a 5 días.

En 1999, el Instituto Nacional de Salud publicó una investigación sobre el uso de la terapia vibroacústica para tratar el dolor y los síntomas que a menudo acompañan al dolor, como la ansiedad y la depresión. Aunque los resultados del estudio se publicaron en 1999, el estudio en sí ha estado en curso y continúa mostrando resultados positivos similares. En la actualidad, hay varios hospitales con visión de futuro en los Estados Unidos que utilizan la terapia vibroacústica como complemento de los tratamientos convencionales, como la cirugía y la quimioterapia.


Cronología de Kithara - Historia


Hablemos un poco más sobre algunos términos de instrumentos errantes en el Mediterráneo. La de la Kithara (es decir, la lira clásica) es un caso interesante.

En enero, expliqué mi refinada etimología de la criatura mítica conocida por los griegos como el Chimaira. Desde entonces he estado sugiriendo que originalmente provenía de un compuesto minoico. * Ki-Amária que significa literalmente 'Tres Caras' que posteriormente, siguiendo la etimología tradicional que se suele dar, el nombre habría sido corrompido por las palabras griegas nativas χίμαρος 'macho cabrío' y χεῖμα 'invierno' después de haber sido prestado del idioma minoico. La Chimaira después de todo es un símbolo de las estaciones del año, comúnmente tres en número en la cultura griega, egipcia y (presumiblemente) minoica. Esto podría confirmar que * ki es la palabra común del Egeo para "tres", ya que está bien documentada en etrusco como ci.

Entonces, ¿estoy presionando demasiado para extender esto más y sospecho que la 'lira' κιθάρα también puede ser un compuesto minoico? * ki-θiara que significa 'tres cuerdas'? Esta hipótesis tiene un claro precedente en el nombre nativo del inquietante laúd chino, el san-xian (三弦), que también significa precisamente 'tres cuerdas'. [1] La lira mediterránea clásica tenía diferentes formas, con diferentes números de cuerdas, pero de hecho incluía la variedad de 3 cuerdas. [2]


Si damos por sentado mi compuesto minoico por un segundo, también implicaría una palabra * θiara 'cadena', que se relaciona muy bien con el egipcio * sīra 'cabello, hilo, hilo', escrito solo como [ sr ] (> Sahidic copto señor 'cabello, línea, raya'). Sin embargo, lo último que debo averiguar es si [ sr ] es del Antiguo Egipcio anterior * zīra / θiːrə / [3], coincidiendo mejor con la forma minoica esperada, además de sugerir un punto de entrada razonablemente temprano del nombre de la lira en la esfera lingüística del Egeo.

NOTAS
[1] El persa seh-tār (سه تار) es otro ejemplo.
[2] Bamford, Homenaje a Pitágoras: redescubriendo la ciencia sagrada (1994), p.251 (ver enlace): "¿Cuál es la posición histórica del griego cithara? Los griegos creían que el cithara había llegado a Grecia como una lira de tres cuerdas en el siglo IX y que se había desarrollado en la propia Grecia. Esta es una de las muchas falacias que deben abandonarse, debido a la evidencia pictórica de que la lira de siete cuerdas se remonta a la Creta minoica, c. 1450 a. C. "Sin embargo, a la luz de mis reflexiones minoicas anteriores, me pregunto si esta postura griega clásica se debe posiblemente simplemente a un recuerdo histórico defectuoso de la línea de tiempo que ensucia una etimología fundamentalmente correcta.
[3] Woodard, Las lenguas antiguas de Mesopotamia, Egipto y Aksum (2008), p.164 (ver enlace) confirma que la z egipcia era una sin voz fricativa interdental / θ /, fusionándose con s en una fecha bastante temprana.

5 comentarios:

Excelente post. Regresé y verifiqué la imagen exacta del signo minoico jeroglífico * 57. Representa un instrumento musical y se cree que corresponde a Lin AB * 67 = KI por muchos estudiosos. Su forma, distribución y uso encajan perfectamente, puedo confirmarlo.

Aunque oficialmente etiquetado como & quotsistrum & quot en la base de datos de CHIC, no puedo evitar la sensación de que esto es de hecho un Kithara - uno primitivo original. En un examen detenido, resulta que posee tres horizontal cordones. También parece carecer de una caja de resonancia (si el mango relativamente pequeño no es un caparazón). Debido al gran tornillo de su lado que podría usarse para apretar los cordones, no creo que sea un sistro. Con todo, este instrumento es bastante diferente al clásico Kithara - una versión enana de una lira, pero la coincidencia de la sílaba inicial es interesante.

Para respaldar mis afirmaciones, vinculé una entrada en el sitio de DBAS, donde puede verificar la forma del Hiero KI firmar. Si miras esta imagen, puedes ver exactamente Tres cordones - una buena combinación inesperada con su propuesta. La otra imagen también presenta el signo Hiero * 92 correspondiente a Lineal AB * 26 = RU. Oficialmente un `` instrumento alargado '' en CHIC, creo que es una imagen demasiado simplificada de un lira. Se puede ver mucho mejor en un sello donde se dibujó el letrero con más detalle. Los cuernos estaban atados en sus extremos y equipados con acordes verticales. El ancho & quot; manija & quot del signo RU es de hecho el caja de resonador - tradicionalmente elaborado con caparazones de tortuga, como nos cuenta la leyenda de Hermes y Apollon. Debido a los cuernos, el instrumento tenía una curva en forma de & quotswan-neck & quot.

Una nota al margen: ¿qué piensas de los orígenes de otros instrumentos similares a la lira, como el egipcio? besar o el israelita kinnor?


Información de contexto

Cronograma de producción

  • Reseña de la historia de Meyer Dolinsky, titulada "Los hijos de Sócrates" [1], 10 de junio de 1968
  • Reseña revisada de la historia, 13 de junio de 1968
  • Primer borrador de la teleplay, 8 de julio de 1968
  • Segundo borrador de la teleplay, 18 de julio de 1968
  • Tercer borrador de la teleplay, 8 de agosto de 1968
  • Dramatización del borrador final de Arthur Singer, 29 de agosto de 1968, 3 de septiembre de 1968
  • Revisiones de página adicionales por Fred Freiberger, 3 de septiembre de 1968, 4 de septiembre de 1968, 5 de septiembre de 1968, 9 de septiembre de 1968, 10 de septiembre de 1968, 13 de septiembre de 1968
  • Filmado, 9 de septiembre de 1968 y # 8211 17 de septiembre de 1968
    • Día 1 y # 8211 9 de septiembre de 1968, lunes y # 8211 Desilu Etapa 9: Int. Puente Desilu Etapa 10: Int. Atrio
    • Día 2 y # 8211 10 de septiembre de 1968, martes y # 8211 Desilu Etapa 10: Int. Atrio
    • Día 3 & # 8211 11 de septiembre de 1968, miércoles & # 8211 Desilu Etapa 10: Int. Atrio
    • Día 4 & # 8211 12 de septiembre de 1968, jueves & # 8211 Desilu Etapa 10: Int. Atrio, ala sur
    • Día 5 y # 8211 13 de septiembre de 1968, viernes y # 8211 Desilu Etapa 10: Int. Ala sur
    • Día 6 y # 8211 16 de septiembre de 1968, lunes y # 8211 Desilu Etapa 10: Int. Ala sur
    • Día 7 y # 8211 17 de septiembre de 1968, martes y # 8211 Desilu Etapa 10: Int. Ala sur ("Teatro")

    Producción

    Spock canta "Maiden Wine", compuesta por Leonard Nimoy, a Uhura y Chapel

    • Esta es la última puntuación de Alexander Courage para Star Trek. Este episodio fue también el último episodio en tener una partitura original, aunque se compusieron nuevas canciones para "The Way to Eden" y una paráfrasis de Brahms para "Requiem for Methuselah".
    • Leonard Nimoy compuso "Maiden Wine", la canción que interpreta en este episodio.
    • Las togas que usaron Shatner y Nimoy en este episodio fueron diseñadas por William Ware Theiss y luego se subastaron en diciembre de 2018. [2]

    Recepción

    • This episode has been long touted for featuring "the first interracial kiss on [American] network television." (The Star Trek Compendium, pag. 120) See: Kirk and Uhura's kiss.
      • There is some dispute about whether the kiss Realmente occurred. According to the on-screen footage, it appears that the actors' lips touched. However, both William Shatner and Nichelle Nichols claimed in Star Trek Memories [ page number? • edit] that NBC exerted pressure to forbid lip contact, and to use a clever camera technique to conceal the "separation".
      • Also according to Nichols, NBC was afraid of the kiss because some stations in the South could decide not to air the episode because of it. Finally, an agreement was made: to film two versions of the scene – one where Kirk and Uhura kissed, and one where they did not. They filmed the first version (with the kiss) successfully, then she and Shatner deliberately flubbed every take of the latter, making it unusable, and leaving the kiss intact. Nichols writes, "The next day they screened the dailies, and although I rarely attended them, I couldn't miss this one. Everyone watched as Kirk and Uhura kissed and kissed and kissed. And I'd like to set the record straight: Although Kirk and Uhura fought it, they did kiss in every single scene. When the non-kissing scene came on, everyone in the room cracked up. The last shot, which looked okay on the set, actually had Bill wildly crossing his eyes. It was so corny and just plain bad it was unusable. The only alternative was to cut out the scene altogether, but that was impossible to do without ruining the entire episode. Finally, the guys in charge relented: 'To hell with it. Let's go with the kiss.' I guess they figured we were going to be canceled in a few months anyway. And so the kiss stayed." (Beyond Uhura: Star Trek and Other Memories [ page number? • edit] )
      • According to Nichols, in the early script, it was supposed to be Spock that kissed Uhura, but William Shatner had it changed, saying, "If anyone's gonna get to kiss Nichelle, it's going to be me, I mean, Captain Kirk!" ( citation needed • edit) Bjo and John Trimble were happy to receive news of this installment. John Trimble remarked, "Our immediate reaction was, 'Alright, by God, about time!'" Added Bjo Trimble, "And my second immediate reaction was, 'Boy, are they gonna hear from the Bible Belt on esta one!'" (Star Trek: The Real Story [ page number? • edit] ) Bjo Trimble stated, "We got our share of some really nasty letters. But here was the thing – you get one nasty letter, and you get a hundred really great letters. It was a step forward, I think." (Star Trek: The Real Story [ page number? • edit] )
      • Screenwriter D.C. Fontana recalled, “There were Southern stations that told NBC: ‘Well, we’re not going to run this show, because you have a black woman on the bridge,'”, she then added “And Gene Roddenberry told NBC to tell them to go to hell.” According to Nichols who said the scene struck a chord for her personally because her own “Grandpa was white, and Grandma was black. But professionally speaking? It was just a kissing scene”.

      Continuidad

      • Spock's observation that Plato desired justice above all is quite correct. In "The Republic", the philosopher envisioned justice as the highest ideal to which any state could aspire, achieved through the harmonious interplay of wisdom, courage, and temperance.
      • While the Platonians state that they were on Earth during the time of Plato, this is later contradicted by giving their dates of birth occurring hundreds of years later (circa 30BC) well after Greece had fallen to the Roman Empire. It is unknown if this was an accidental error in the plot or if the Platonians might have only studied Plato while on Earth.

      Remastered information

      The remastered version of "Plato's Stepchildren" aired in many North American markets during the weekend of 16 June 2007. Very few new effects were required. Like all other remastered episodes, the physical model of the Empresa has been wholly replaced by a CGI model throughout the episode. Del mismo modo, el Empresa is universally shot at different – and typically closer – angles than in the original.

      The most dramatic new effect is that of the planet Platonius. It has changed from its original, Mars-like appearance to one that greatly resembles Earth.

      Dr. McCoy's tricorder insert also received a touch-up. Its display was transformed from a bar graph that approximated sickbay displays to an integrated line chart. The benefit of the changed effect is that the display now more easily reads as a true comparison of the blood of Alexander and Parmen, along with (ostensibly) Human norms.

      In addition, the digital restoration of non-SFX shots has resulted in an overall brightening of color that is perhaps more profound in this abstractly-designed episode than in others.


      Ver el vídeo: Cronología de Malcolm el de en medio - Lalito Rams (Agosto 2022).